Monday, May 12, 2008
Van Gogh Goes Home
If you are in Amsterdam, or visiting other areas of The Netherlands this summer, you may want to take the train down to Zundert to see The Vincent van GoghHuis. The Vincent van GoghHuis Zundert will open on August 29, 2008 with a permanent exhibition “Vincent van Gogh: Roots of a Master” which covers the life of Van Gogh beginning in his birthplace Zundert. The Vincent van GoghHuis will also feature a temporary exhibition “Zadkine & Van Gogh” from September 2008 to January 2009. If you would like more information about The Vincent van GoghHuis, or other places to tour which follow Van Gogh’s life in his footsteps learn more about Van Gogh travel.
La Mousmé, Sitting by Vincent van Gogh
We recently received a request for more information about Van Gogh’s painting La Mousmé, Sitting and the specifically the meaning of La Mousmé in English. According to The National Gallery of Art website, La Mousmé “came from a character in a popular novel set in Japan. ‘A mousmé is a Japanese girl-Provençal in this case-twelve to fourteen years old.’” For more information please see the National Gallery of Art’s description of La Mousmé. If you have more information about this painting, or a question about another painting, please feel free to comment. I will do my best to help you find out more about it. I will also share any items of interest that I come across, so that everyone may benefit.
Senyum Lukisan Monalisa Dah Ketemu!
Oleh aimdbest
Senyuman misteri yang ditunjukkan Monalisa dalam lukisan potret terkenal karya Leonardo da Vinci akhirnya terungkap. Para akademisi Jerman merasa yakin mereka telah berhasil memecahkan misteri yang telah berlangsung beberapa abad di balik identitas gadis cantik yang menjadi obyek lukisan terkenal itu. Lisa Gherardini, istri seorang pengusaha kaya Florence, Francesco del Giocondo, telah lama dipandang sebagai model yang paling mungkin bagi lukisan abad 16 tersebut. Namun demikian, para sejarawan seni sering bertanya-tanya apakah mungkin wanita yang tersenyum itu sebetulnya kekasih da Vinci, ibunya atau artis itu sendiri. Kini para pakar di perpustakaan Universitas Heidelberg menyatakan berdasarkan catatan yang ditulis pemiliknya dalam sebuah buku pada Oktober 1503 diperoleh kepastian untuk selamanya bahwa Lisa del Giocondo-lah model yang sesungguhnya dalam lukisan itu, yang merupakan salah satu lukisan potret terkenal di dunia. "Semua keraguan tentang identitas Monalisa telah pupus menyusul penemuan oleh Dr. Armin Schlechter," seorang pakar naskah kuno, kata perpustakaan itu dalam pernyataannya Senin,14 Januari 2008. Hingga kini, hanya diperoleh 'bukti kurang meyakinkan' dari berbagai dokumen abad 16. "Hal ini menciptakan ruang bagi berbagai interpretasi dan ada banyak identitas berbeda dikemukakan," kata perpustakaan itu. Catatan itu dibuat oleh Agostino Vespucci, seorang pejabat Florence dan sahabat da Vinci, dalam koleksi surat tulisan orator Romawi, Cicero. Tulisan dalam catatan itu membandingkan Leonardo dengan artis Yunani kuno Apelles dan menyatakan ia sedang menggarap tiga lukisan, salah satunya adalah potret Lisa del Giocondo. Para pakar seni, yang sudah mengaitkan tahun pembuatan lukisan itu pada jaman abad pertengahan itu, menyatakan penemuan Heidelberg itu merupakan terobosan dan penyebutan sebelumnya menghubungkan istri saudagar itu dengan lukisan potret tersebut. "Tak ada alasan untuk terus meragukan bahwa potret ini adalah wanita yang lain," kata sejarahwan seni Universitas Leipzig, Frank Zoelner, kepada Radio Jerman. Dari kapanlagi.com
Van Gogh Pelukis Sensasional
Oleh aimdbest
Vincent Van Gogh telah dilahirkan pada 30 Maret 1853, di kampung Groot Zunbert di daerah Brabant Utara, Belanda. Ayahnya, Theodorus, adalah paderi kampung (pastor) pengikut Gereja Insaf Belanda (Dutch Reformed Church) yang kecil. Ibu Van Gogh bernama Anna Cornelia Carbentus. Van Gogh mempunyai dua orang saudara lelaki dan tiga orang saudara perempuan yang bernama Anna, Theo, Cornelius, Elizabeth, and Wilhelmien. Saat berusia dua belas tahun Van Gogh bersekolah di sekolah yang juga memiliki asrama di kampung Zevenbergen. Tamat dari sana ketika ia berumur 16 tahun. Menggunakan pengaruh pakciknya, Centbegitu ia disapa, telah bekerja di kantor pejabat Goupil dan Cie di Hague. (Goupil merupakan pusat pembaikpulih, khusus dalam menyalin lukisan-lukisan terkenal). Umur 20 tahun, Van Gogh telah bekerja di cawangan Goupil di London, pada bulan May 1873 dengan gaji sebanyak 90 lire setahun. Disana ia menyewa satu bilik di rumah Mrs.Loyer, yang mempunyai seorang anak perempuan bernama Ursula/Eugenie, dan di situlah bermula hubungan cinta pertamanya bermula. Dia mencintai Ursula, tetapi tidak memberitahunya dan apabila Van Gogh meluahkan perasaan cintanya terhadap Ursula. Van Gogh mendapati bahawa Ursula tidak pernah mencintainya dan ini mematahkan semangatnya. Pada tahun 1875, pakciknya Cent mengaturkan supaya dia bekerja ke cawangan Paris dengan harapan semangatnya dapat dipulihkan dengan bertukar tempat bekerja. Di sina dia menjadi bertambah loyo dalam bekerja. Setelah diberikan tiga bulan notis, maka berakhirlah latihannya selama enam tahun sebagai seorang peniaga seni. Dia berusia hampir dua puluh tiga tahun, menganggur, dan tidak mempunyai rancangan untuk masa hadapan. Van Gogh membuat keputusan untuk pulang ke England, di mana dia berkerja sebagai seorang guru di sebuah sekolah asrama. Selepas dia berhenti dari situ, dia mengajar di sebuah sekolah di Isleworth. Sebagai seorang pemuda, keinginan Vincent Van Gogh yang terkuat ialah untuk membantu sesama manusia. Sebagai anak kepada seorang paderi, dia sudah tentunya memilih jalan keagamaan, dengan itu pada 1878 dia memohon untuk memasuki sekolah theology tetapi ditolak. Dia kemudiannya menjadi paderi tidak terlatih dan Van Gogh berjimat makan dan keperluan hidup agar dapat menyimpan uang untuk di berikan kepada orang miskin. Sekiranya dia berjaya sebagai seorang pendakwah, seperti yang dicubainya selama beberapa tahun, dia mungkin boleh melakar dan melukis sebagai hobi tetapi Van Gogh sudah pastinya tidak akan menjadi seorang artis. Misi dakwahnya merupakan satu kegagalan. Kegagalannya berpunca daripada usahanya yang keterlaluan. Di usia dua puluh lima tahun, apabila dia pergi berdakyah dikalangan petani dan pelombong arang batu di Borinage, di selatan Belgium, perwatakannya yang penuh semangat dan amalan ajaran Kristian secara bulat-bulat, menyebabkan dia memusuhi pegawai atasannya, dan ini kemungkinannya menakutkan orang yang dibantuinya. Meskipun dia ingin membantu sesama manusia, dia tidak pandai mengendalikan perhubungan sosial. Oleh itu ketika berumur 20 tujuh tahun, dia memilih untuk menggunakan seni sebagai cara untuk dia meluahkan perasaan. Puncak utama Vincent Van Gogh menjadi sebagai seorang artis ialah dia boleh mencurahkan perasaannya melalui seni. Jika dia boleh tidak meringankan kesengsaraan peladang Belanda (Dutch) yang miskin, sekurang-kurangnya dia boleh menunjukkan simpatinya melalui lakaran dan lukisan. Mungkin juga ini adalah cara Van Gogh mendekati dirinya dengan Tuhan dan dalam suasana sebeginilah kemahiran seninya terbentuk. Dalam jangka hayatnya yang pendek Van Gogh menulis hampir seribu pucuk surat, selalunya sebanyak beberapa pucuk sehari. Kebanyakannya telah ditujukan kepada saudara lelakinya Theo, mungkin satu-satunya orang yang memahami dirinya. Hanya kepada Theo, Van Gogh dapat menggambarkan gambaran dan perasaan yang membuak-buak di dalam dirinya. Surat-surat itu, yang disimpan oleh isterinya, dianggap luarbiasa ; pengkritik-pengkritik kesusasteraan telah membandingkannya dengan hasil penulisan "Pengakuan" oleh pakar agung Russian Abad ke 19. Tetapi walaupun dia menulis dengan penuh perasaan, Van Gogh kelihatannya merasakan bahawa luahan kata-kata tidak dapat menggantikan luahan melalui lukisan. Setelah membuat keputusan, ketika berumur duapuluh tujuh tahun, bahawa misinya dalam kehidupan ialah untuk menjadi seorang artis, dia telah membuka "studio" pertamanya di pondok seorang pelombong arang batu Borinage. Dia membayar sewanya dengan sedikit wang yang dihantar oleh ayahnya dan di studio itulah bermula pelajaran secara sendirinya dengan kerja yang mencurah-curah. Dari Paris, Theo menghantar berbungkus-bungkus lukisan untuk Van Gogh salin dan belajar, dan dari pengurus The Hague, cawangan Goupil, yang menghantar buku teks berkenaan perspektif dan anatomi. Theo mencadangkan kepada Van Gogh supaya mengikutinya ke Paris, tetapi Van Gogh merasa keberatan untuk mengembara ke Paris, suatu tempat yang di anggap sebagai pusat seni dunia. Sebaliknya, pada musim panas 1880, dia pergi ke Brussels dan tinggal di hotel termurah dijumpainya. Van Gogh tinggal di Brussels ketika musim sejuk pada tahun 1880-1881, bergelut dengan latihannya dalam lakaran dan sentiasa melapuran perkembangan dirinya kepada Theo. Pada tahun 1881 Van Gogh balik kerumah keluarganya di Etten di mana dia jatuh cinta kepada sepupunya, Kee Vos seorang janda. Kee Vos menolak cintanya dan berpindah ke Amsterdam dan diikuti oleh Van Gogh tetapi Van Gogh masih tidak di terima oleh Kee Vos. Pada lewat 1883 dia membuat keputusan untuk sekali lagi cuba untuk tinggal bersama ibubapanya. Ketika ini Van Gogh masih menggunakan warna-warna gelap seperti perang dan hijau gelap. Antara lukisannya ialah Willows. Pada tahun 1886 Van Gogh pergi ke Paris untuk melawat saudaranya dan dia tertarik dengan teknik lukisan di sana. Pemakan Ubi Kentang (Potato Eaters) lazimnya dikatakan "hasil terbaik" Van Gogh yang pertama . Tidak terdapat sebarang rujukan keugamaan dalam kenyataan Van Gogh berkenaan Pemakan Ubi Kentang. Lapan bulan selepas kematian ayahnya, Van Gogh meninggalkan Belanda, dan tidak pernah pulang lagi ke situ. Faedah dari lawatannya selama tiga bulan di Antwerp ialah bertambah pendedahannya kepada warna, atau, lebih tepat lagi, dia telah mula berfikir mengenai warna dengan lebih lanjut. Van Gogh merupakan pengguna warna yang paling giat pada masanya. Dia merasakan bahawa warna membawa makna yang istimewa selain daripada hanya sebagai untuk dilihat. Apabila Van Gogh tiba di Paris pada 1886, dia begitu bersemangat untuk belajar dan bersedia untuk menimba pengalaman baru. Dalam tempoh dua tahun dia bertukar sepenuhnya menjadi seorang pelukis. Warna yang terang dan gemilang membanjiri hasil karyanya. Dia melukis pemandangan dalam kafe yang aman dan gambaran bayu bertiup merentasi mukabumi. Gambaran muram buruh sedang bekerja telah digantikan dengan gambaran dekat dirinya dan rakannya sedang berehat. Van Gogh bekerja kuat untuk menyempurnakan kemahiran tekniknya. Dia melukis menggunakan teknik libasan dengan menggunakan warna-warna yang garang. Pada tahun 1888, hasil karyanya mencurah-curah. Dari tempoh Van Gogh mula tiba di bulan February sehingga kemasukkannya ke hospital selepas fikirannya terganggu pada bulan Desember Van Gogh telah menghasilkan sekurang- kurangnya 90 lakaran dan 100 lukisan. Jumlah penghasilannya hampir menjadi sesuatu yang memalukan. Van Gogh mempertahanan dirinya sendiri dengan merujuk kepada kepantasan Claude Monet. Dari bulan February 1888 sehingga bulan May 1889, Van Gogh menghasilkan sebanyak 200 lukisan, dan juga banyak lakaran. Hasil karyanya ketika berada di Arles telah meletakkan dirinya sebagai satu gergasi seni, tetapi apabila ia berakhir, Van Gogh hanya mempunyai tempoh setahun lagi untuk hidup. Salah satu dari hasil karya Van Gogh yang paling terkenal, Bunga Matahari (Sunflowers) menonjolkan kegemilangan warna yang mula digunakan oleh Van Gogh di Arles. Dia menjadikan penelitian Bunga Matahari sebagai perhiasan di biliknya, dan setiap satunya memancarkan kegemarannya kepada cahaya, warna dan cara mudah. Ia dikatakan bahawa kuning keemasan dan jangka hayat bunga matahari yang pendek itu menarik minat Van Gogh Di selatan, Van Gogh merupakan keseorangan lelaki yang kesunyian. Banyak dari lukisannya, seperti gambar bilik tidurnya, mencerminkan keinginannya untuk seorang teman. Lukisan itu ceria, tetapi terdapat tanda dari perasaan terkongkong dan kesepiannya yang terpendam. Perasaan Van Gogh ini digambarkan dalam lukisannya melalui gambaran bilik yang sempit dan setiap benda yang dilukisnya secara berpasangan : dua bantal, dua kerusi dan sehinggakan kepada lukisan yang digantung berpasangan. Van Gogh telah diserang penyakit sawan (epilepsy) dan pernah mengancam untuk mencederakan Paul Gauguin, seorang pelukis Perancis, dan dia juga telah menghiris sebahagian telinganya dalam serangan sawan (epilepsy) yang sama. Apabila Van Gogh tersedar kembali di hospital di Arles, serangan sawan (epilepsy) itu tidaklah merisaukan dirinya. Selepas dia pulih, dia telah kembali melukis di lapangan dengan kanvas dan enselnya. Van Gogh telah dimasukkan ke hospital sekali lagi pada 8 May 1889. Van Gogh telah diberikan dua bilik, satu untuk tidur dan satu bilik yang lain untuk melukis. Di sana terdapat banyak kekosongan di dalam asrama lelaki. Dalam beberapa minggu selepas kemasuknya ke hospital, Van Gogh, diiringi oleh seorang pengawal, telah dibenarkan untuk keluar ke kawasan luar bandar untuk melukis. Serangan penyakit Van Gogh yang pertama di Saint-Remy selepas melawat Arles merupakan yang teruk. Sekiranya tidak disebabkan dengan kehadiran pengawal, Van Gogh mungkin membunuh dirinya sendiri dengan menelan catnya yang beracun. Walaubagaimanapun. Van Gogh masih dibenarkan untuk pulang kerumah. Di situ doktornya selalu menjemputnya datang untuk makan malam. Van Gogh percaya bahawa kehidupan adalah tiada berpenghujung. Salah satu lukisan Van Gogh terakhir ialah Ladang Gandum dengan gagak (Wheatfield with Crows). Ia dikatakan menunjukkan perasaan Van Gogh yang ingin bebas seperti burung tetapi terhad oleh langit mendung yang gelap. Serangan sakit sawan dan kekecewaan yang akhirnya mendorong Van Gogh membunuh diri, tidak menjejaskan mutu ataupun jumlah penghasilan hasil seninya. Walaupun selepas peristiwa di Arles, apabila Van Gogh memotong sebahagian dari telinganya dan cuba memakannya, Van Gogh terus memaksa dirinya melukis, lukisannya terganggu hanya seketika. Setiap kali selepas serang sawan berlalu, Van Gogh menjadi riang seperti biasa, dan mula melukis pandangan mukabumi, potret, potret diri sendiri dan menulis berpuluh-puluh keping surat dengan jelas dan waras. Meskipun Van Gogh risaukan tentang sawannya, Van Gogh sedar bahawa serangan sawannya itu tidak menjejaskan hasil seninya. Karya seninya bukanlah karya seseorang yang gila. Gaya yang matang, yang berkembang di Arles, menjadi bertambah gemilang dan karya lukisan terakhirnya dilukis dengan menggunakan warna yang terang dan garang. Pada 27 July 1890, Vincent Van Gogh membunuh dirinya sendiri setelah pulih dari satu serangan penyakit sawan. Selepas diserang penyakit sawan Van Gogh telah keluar berjalan. Selepas beberapa ratus ela dari rumah tumpang dia memasuki satu kawasan ladang gandum, dan menembak dirinya sendiri pada bahagian perutnya. Kemudian Van Gogh berjalan pulang ke rumah tumpang dan kembali ke biliknya sebelum dijumpai terbaring dengan mukanya tersembam di atas katil oleh tuan rumah tumpangan itu. Vincent Van Gogh mati tiga puluh enam jam selepas dia menembak dirinya sendiri ketika berusia tiga puluh tujuh tahun. Vincent Van Gogh dikebumikan di perkuburan bandar Auvers-sur-Oise, Perancis. Dirangkum ulang dari: spancity.com dan berbagai sumber
Vincent Van Gogh telah dilahirkan pada 30 Maret 1853, di kampung Groot Zunbert di daerah Brabant Utara, Belanda. Ayahnya, Theodorus, adalah paderi kampung (pastor) pengikut Gereja Insaf Belanda (Dutch Reformed Church) yang kecil. Ibu Van Gogh bernama Anna Cornelia Carbentus. Van Gogh mempunyai dua orang saudara lelaki dan tiga orang saudara perempuan yang bernama Anna, Theo, Cornelius, Elizabeth, and Wilhelmien. Saat berusia dua belas tahun Van Gogh bersekolah di sekolah yang juga memiliki asrama di kampung Zevenbergen. Tamat dari sana ketika ia berumur 16 tahun. Menggunakan pengaruh pakciknya, Centbegitu ia disapa, telah bekerja di kantor pejabat Goupil dan Cie di Hague. (Goupil merupakan pusat pembaikpulih, khusus dalam menyalin lukisan-lukisan terkenal). Umur 20 tahun, Van Gogh telah bekerja di cawangan Goupil di London, pada bulan May 1873 dengan gaji sebanyak 90 lire setahun. Disana ia menyewa satu bilik di rumah Mrs.Loyer, yang mempunyai seorang anak perempuan bernama Ursula/Eugenie, dan di situlah bermula hubungan cinta pertamanya bermula. Dia mencintai Ursula, tetapi tidak memberitahunya dan apabila Van Gogh meluahkan perasaan cintanya terhadap Ursula. Van Gogh mendapati bahawa Ursula tidak pernah mencintainya dan ini mematahkan semangatnya. Pada tahun 1875, pakciknya Cent mengaturkan supaya dia bekerja ke cawangan Paris dengan harapan semangatnya dapat dipulihkan dengan bertukar tempat bekerja. Di sina dia menjadi bertambah loyo dalam bekerja. Setelah diberikan tiga bulan notis, maka berakhirlah latihannya selama enam tahun sebagai seorang peniaga seni. Dia berusia hampir dua puluh tiga tahun, menganggur, dan tidak mempunyai rancangan untuk masa hadapan. Van Gogh membuat keputusan untuk pulang ke England, di mana dia berkerja sebagai seorang guru di sebuah sekolah asrama. Selepas dia berhenti dari situ, dia mengajar di sebuah sekolah di Isleworth. Sebagai seorang pemuda, keinginan Vincent Van Gogh yang terkuat ialah untuk membantu sesama manusia. Sebagai anak kepada seorang paderi, dia sudah tentunya memilih jalan keagamaan, dengan itu pada 1878 dia memohon untuk memasuki sekolah theology tetapi ditolak. Dia kemudiannya menjadi paderi tidak terlatih dan Van Gogh berjimat makan dan keperluan hidup agar dapat menyimpan uang untuk di berikan kepada orang miskin. Sekiranya dia berjaya sebagai seorang pendakwah, seperti yang dicubainya selama beberapa tahun, dia mungkin boleh melakar dan melukis sebagai hobi tetapi Van Gogh sudah pastinya tidak akan menjadi seorang artis. Misi dakwahnya merupakan satu kegagalan. Kegagalannya berpunca daripada usahanya yang keterlaluan. Di usia dua puluh lima tahun, apabila dia pergi berdakyah dikalangan petani dan pelombong arang batu di Borinage, di selatan Belgium, perwatakannya yang penuh semangat dan amalan ajaran Kristian secara bulat-bulat, menyebabkan dia memusuhi pegawai atasannya, dan ini kemungkinannya menakutkan orang yang dibantuinya. Meskipun dia ingin membantu sesama manusia, dia tidak pandai mengendalikan perhubungan sosial. Oleh itu ketika berumur 20 tujuh tahun, dia memilih untuk menggunakan seni sebagai cara untuk dia meluahkan perasaan. Puncak utama Vincent Van Gogh menjadi sebagai seorang artis ialah dia boleh mencurahkan perasaannya melalui seni. Jika dia boleh tidak meringankan kesengsaraan peladang Belanda (Dutch) yang miskin, sekurang-kurangnya dia boleh menunjukkan simpatinya melalui lakaran dan lukisan. Mungkin juga ini adalah cara Van Gogh mendekati dirinya dengan Tuhan dan dalam suasana sebeginilah kemahiran seninya terbentuk. Dalam jangka hayatnya yang pendek Van Gogh menulis hampir seribu pucuk surat, selalunya sebanyak beberapa pucuk sehari. Kebanyakannya telah ditujukan kepada saudara lelakinya Theo, mungkin satu-satunya orang yang memahami dirinya. Hanya kepada Theo, Van Gogh dapat menggambarkan gambaran dan perasaan yang membuak-buak di dalam dirinya. Surat-surat itu, yang disimpan oleh isterinya, dianggap luarbiasa ; pengkritik-pengkritik kesusasteraan telah membandingkannya dengan hasil penulisan "Pengakuan" oleh pakar agung Russian Abad ke 19. Tetapi walaupun dia menulis dengan penuh perasaan, Van Gogh kelihatannya merasakan bahawa luahan kata-kata tidak dapat menggantikan luahan melalui lukisan. Setelah membuat keputusan, ketika berumur duapuluh tujuh tahun, bahawa misinya dalam kehidupan ialah untuk menjadi seorang artis, dia telah membuka "studio" pertamanya di pondok seorang pelombong arang batu Borinage. Dia membayar sewanya dengan sedikit wang yang dihantar oleh ayahnya dan di studio itulah bermula pelajaran secara sendirinya dengan kerja yang mencurah-curah. Dari Paris, Theo menghantar berbungkus-bungkus lukisan untuk Van Gogh salin dan belajar, dan dari pengurus The Hague, cawangan Goupil, yang menghantar buku teks berkenaan perspektif dan anatomi. Theo mencadangkan kepada Van Gogh supaya mengikutinya ke Paris, tetapi Van Gogh merasa keberatan untuk mengembara ke Paris, suatu tempat yang di anggap sebagai pusat seni dunia. Sebaliknya, pada musim panas 1880, dia pergi ke Brussels dan tinggal di hotel termurah dijumpainya. Van Gogh tinggal di Brussels ketika musim sejuk pada tahun 1880-1881, bergelut dengan latihannya dalam lakaran dan sentiasa melapuran perkembangan dirinya kepada Theo. Pada tahun 1881 Van Gogh balik kerumah keluarganya di Etten di mana dia jatuh cinta kepada sepupunya, Kee Vos seorang janda. Kee Vos menolak cintanya dan berpindah ke Amsterdam dan diikuti oleh Van Gogh tetapi Van Gogh masih tidak di terima oleh Kee Vos. Pada lewat 1883 dia membuat keputusan untuk sekali lagi cuba untuk tinggal bersama ibubapanya. Ketika ini Van Gogh masih menggunakan warna-warna gelap seperti perang dan hijau gelap. Antara lukisannya ialah Willows. Pada tahun 1886 Van Gogh pergi ke Paris untuk melawat saudaranya dan dia tertarik dengan teknik lukisan di sana. Pemakan Ubi Kentang (Potato Eaters) lazimnya dikatakan "hasil terbaik" Van Gogh yang pertama . Tidak terdapat sebarang rujukan keugamaan dalam kenyataan Van Gogh berkenaan Pemakan Ubi Kentang. Lapan bulan selepas kematian ayahnya, Van Gogh meninggalkan Belanda, dan tidak pernah pulang lagi ke situ. Faedah dari lawatannya selama tiga bulan di Antwerp ialah bertambah pendedahannya kepada warna, atau, lebih tepat lagi, dia telah mula berfikir mengenai warna dengan lebih lanjut. Van Gogh merupakan pengguna warna yang paling giat pada masanya. Dia merasakan bahawa warna membawa makna yang istimewa selain daripada hanya sebagai untuk dilihat. Apabila Van Gogh tiba di Paris pada 1886, dia begitu bersemangat untuk belajar dan bersedia untuk menimba pengalaman baru. Dalam tempoh dua tahun dia bertukar sepenuhnya menjadi seorang pelukis. Warna yang terang dan gemilang membanjiri hasil karyanya. Dia melukis pemandangan dalam kafe yang aman dan gambaran bayu bertiup merentasi mukabumi. Gambaran muram buruh sedang bekerja telah digantikan dengan gambaran dekat dirinya dan rakannya sedang berehat. Van Gogh bekerja kuat untuk menyempurnakan kemahiran tekniknya. Dia melukis menggunakan teknik libasan dengan menggunakan warna-warna yang garang. Pada tahun 1888, hasil karyanya mencurah-curah. Dari tempoh Van Gogh mula tiba di bulan February sehingga kemasukkannya ke hospital selepas fikirannya terganggu pada bulan Desember Van Gogh telah menghasilkan sekurang- kurangnya 90 lakaran dan 100 lukisan. Jumlah penghasilannya hampir menjadi sesuatu yang memalukan. Van Gogh mempertahanan dirinya sendiri dengan merujuk kepada kepantasan Claude Monet. Dari bulan February 1888 sehingga bulan May 1889, Van Gogh menghasilkan sebanyak 200 lukisan, dan juga banyak lakaran. Hasil karyanya ketika berada di Arles telah meletakkan dirinya sebagai satu gergasi seni, tetapi apabila ia berakhir, Van Gogh hanya mempunyai tempoh setahun lagi untuk hidup. Salah satu dari hasil karya Van Gogh yang paling terkenal, Bunga Matahari (Sunflowers) menonjolkan kegemilangan warna yang mula digunakan oleh Van Gogh di Arles. Dia menjadikan penelitian Bunga Matahari sebagai perhiasan di biliknya, dan setiap satunya memancarkan kegemarannya kepada cahaya, warna dan cara mudah. Ia dikatakan bahawa kuning keemasan dan jangka hayat bunga matahari yang pendek itu menarik minat Van Gogh Di selatan, Van Gogh merupakan keseorangan lelaki yang kesunyian. Banyak dari lukisannya, seperti gambar bilik tidurnya, mencerminkan keinginannya untuk seorang teman. Lukisan itu ceria, tetapi terdapat tanda dari perasaan terkongkong dan kesepiannya yang terpendam. Perasaan Van Gogh ini digambarkan dalam lukisannya melalui gambaran bilik yang sempit dan setiap benda yang dilukisnya secara berpasangan : dua bantal, dua kerusi dan sehinggakan kepada lukisan yang digantung berpasangan. Van Gogh telah diserang penyakit sawan (epilepsy) dan pernah mengancam untuk mencederakan Paul Gauguin, seorang pelukis Perancis, dan dia juga telah menghiris sebahagian telinganya dalam serangan sawan (epilepsy) yang sama. Apabila Van Gogh tersedar kembali di hospital di Arles, serangan sawan (epilepsy) itu tidaklah merisaukan dirinya. Selepas dia pulih, dia telah kembali melukis di lapangan dengan kanvas dan enselnya. Van Gogh telah dimasukkan ke hospital sekali lagi pada 8 May 1889. Van Gogh telah diberikan dua bilik, satu untuk tidur dan satu bilik yang lain untuk melukis. Di sana terdapat banyak kekosongan di dalam asrama lelaki. Dalam beberapa minggu selepas kemasuknya ke hospital, Van Gogh, diiringi oleh seorang pengawal, telah dibenarkan untuk keluar ke kawasan luar bandar untuk melukis. Serangan penyakit Van Gogh yang pertama di Saint-Remy selepas melawat Arles merupakan yang teruk. Sekiranya tidak disebabkan dengan kehadiran pengawal, Van Gogh mungkin membunuh dirinya sendiri dengan menelan catnya yang beracun. Walaubagaimanapun. Van Gogh masih dibenarkan untuk pulang kerumah. Di situ doktornya selalu menjemputnya datang untuk makan malam. Van Gogh percaya bahawa kehidupan adalah tiada berpenghujung. Salah satu lukisan Van Gogh terakhir ialah Ladang Gandum dengan gagak (Wheatfield with Crows). Ia dikatakan menunjukkan perasaan Van Gogh yang ingin bebas seperti burung tetapi terhad oleh langit mendung yang gelap. Serangan sakit sawan dan kekecewaan yang akhirnya mendorong Van Gogh membunuh diri, tidak menjejaskan mutu ataupun jumlah penghasilan hasil seninya. Walaupun selepas peristiwa di Arles, apabila Van Gogh memotong sebahagian dari telinganya dan cuba memakannya, Van Gogh terus memaksa dirinya melukis, lukisannya terganggu hanya seketika. Setiap kali selepas serang sawan berlalu, Van Gogh menjadi riang seperti biasa, dan mula melukis pandangan mukabumi, potret, potret diri sendiri dan menulis berpuluh-puluh keping surat dengan jelas dan waras. Meskipun Van Gogh risaukan tentang sawannya, Van Gogh sedar bahawa serangan sawannya itu tidak menjejaskan hasil seninya. Karya seninya bukanlah karya seseorang yang gila. Gaya yang matang, yang berkembang di Arles, menjadi bertambah gemilang dan karya lukisan terakhirnya dilukis dengan menggunakan warna yang terang dan garang. Pada 27 July 1890, Vincent Van Gogh membunuh dirinya sendiri setelah pulih dari satu serangan penyakit sawan. Selepas diserang penyakit sawan Van Gogh telah keluar berjalan. Selepas beberapa ratus ela dari rumah tumpang dia memasuki satu kawasan ladang gandum, dan menembak dirinya sendiri pada bahagian perutnya. Kemudian Van Gogh berjalan pulang ke rumah tumpang dan kembali ke biliknya sebelum dijumpai terbaring dengan mukanya tersembam di atas katil oleh tuan rumah tumpangan itu. Vincent Van Gogh mati tiga puluh enam jam selepas dia menembak dirinya sendiri ketika berusia tiga puluh tujuh tahun. Vincent Van Gogh dikebumikan di perkuburan bandar Auvers-sur-Oise, Perancis. Dirangkum ulang dari: spancity.com dan berbagai sumber
Friday, May 9, 2008
"Wajah Petani Kekeringan" Joko Pekik
Lukisan Joko Pekik berjudul "Wajah Petani Kekeringan" pada pameran seni rupa Joko Pekik di Solo, 1993. [TEMPO/ R Fadjri; 20D/060/1993; 20020225].
Exhibitions
From : www.picasso.com
At any one time, there are perhaps dozens of exhibitions worldwide that feature Picasso, either on his own, or as part of a group show. Below is our country-by-country list of shows currently going on, as well as forthcoming shows. Kindly note that the dates are displayed in the European format as day-month-year. For example, June 6th, 2004 will be displayed as: 01/06/04
We will try to keep you updated as much as we can.
Please notify us of ones we've missed, and we'll fit them in. Try and include websites and any information that might create interest in the shows.Certainly the exhibition that has garnered the most attention was "Picasso Erotique" which has ended its run in Barcelona a couple of years ago. For a complete rundown of this extraordinary show, go here.
Austria
From 14/09/2007 to 06/04/2008Monet bis Picasso - Die Sammlung BatlinerAlbertina MuseumVIENNE
France
From 06/10/2008 to 02/02/2009Picasso et les MaitresGaleries Nationales du Grand PalaisPARIS
From 18/01/2008 to 11/10/2008Le Laboratoire centralMusée Picasso PARIS
From 02/06/2009 to 27/09/2009Picasso-Cézanne, le soleil en faceMusée GranetAIX-EN-PROVENCE
Germany
From 10/11/2007 to 24/02/2008Pablo Picasso - la peinture des années 50 Galerie d'art moderne du Saarlandmuseum -Stiftung Saarländischer KulturbesitzSARREBRUCK
From 01/02/2008 to 04/05/2008Picasso & Rubens. Modern meets BaroqueGraphikmuseum Pablo PicassoMUNSTER
Greece
From 25/01/2008 to 18/04/2008Suite 347 - Bancaja CollectionTelogion Foundation of Art, Aristotle UniversityTHESSALONIKIHungary
From 26/10/2007 to 27/01/2008Picasso, Klee, Kandinsky - Masterpieces of the Swiss Ropf CollectionMuseum od Fine ArtsBUDAPEST
Italy
From 15/12/2007 to 08/02/2008Picasso -IncisoreBanca di LegnanoLEGNANO
Japan
From 13/10/2007 to 25/01/2008Picasso - Ludwig Museum's CollectionPrefectural Museum of ArtKUMAMOTO
Netherlands
From 15/12/2007 to 30/03/2008Picasso in Den Haag - Collection of the Museum Ludwig CologneGemeentemuseumDEN HAAG
Norway
From 03/02/2008 to 08/05/2008Pablo Picasso: Figur og boldeBergen Art Museum BERGEN
Spain
From 22/10/2007 to 27/01/2008Picasso-Objeto e imagenMuseo Picasso MALAGA
From 17/10/2007 to 03/02/2008Picasso - Laboratorio de Estilos, Retrato FemeninoFondation Pedro Barri? de la MazaLA CORU?A
From 17/10/2007 to 03/02/2008Picasso - Laboratorio de Estilos, Naturalezas MuertasFondation Pedro Barri? de la MazaVIGO
From 19/12/2007 to 30/03/2008Picasso et sa collection Museo Picasso
Switzerland
From 01/12/2007 to 17/02/2008Picasso aus der Sammlung des Sprengel Museum HannoverKulturzentrumSEEDAMM
U.S.A.
From 27/07/2007 to 27/04/2008Monet, C?zanne, Picasso & Moore - Modern Masters from the Guggenheim CollectionVenetian Hotel ResortLAS VEGAS
From 29/01/2007 to 19/05/2008Picasso: Preoccupations and PassionsMuseum of ArtNAPLES (Floride)
At any one time, there are perhaps dozens of exhibitions worldwide that feature Picasso, either on his own, or as part of a group show. Below is our country-by-country list of shows currently going on, as well as forthcoming shows. Kindly note that the dates are displayed in the European format as day-month-year. For example, June 6th, 2004 will be displayed as: 01/06/04
We will try to keep you updated as much as we can.
Please notify us of ones we've missed, and we'll fit them in. Try and include websites and any information that might create interest in the shows.Certainly the exhibition that has garnered the most attention was "Picasso Erotique" which has ended its run in Barcelona a couple of years ago. For a complete rundown of this extraordinary show, go here.
Austria
From 14/09/2007 to 06/04/2008Monet bis Picasso - Die Sammlung BatlinerAlbertina MuseumVIENNE
France
From 06/10/2008 to 02/02/2009Picasso et les MaitresGaleries Nationales du Grand PalaisPARIS
From 18/01/2008 to 11/10/2008Le Laboratoire centralMusée Picasso PARIS
From 02/06/2009 to 27/09/2009Picasso-Cézanne, le soleil en faceMusée GranetAIX-EN-PROVENCE
Germany
From 10/11/2007 to 24/02/2008Pablo Picasso - la peinture des années 50 Galerie d'art moderne du Saarlandmuseum -Stiftung Saarländischer KulturbesitzSARREBRUCK
From 01/02/2008 to 04/05/2008Picasso & Rubens. Modern meets BaroqueGraphikmuseum Pablo PicassoMUNSTER
Greece
From 25/01/2008 to 18/04/2008Suite 347 - Bancaja CollectionTelogion Foundation of Art, Aristotle UniversityTHESSALONIKIHungary
From 26/10/2007 to 27/01/2008Picasso, Klee, Kandinsky - Masterpieces of the Swiss Ropf CollectionMuseum od Fine ArtsBUDAPEST
Italy
From 15/12/2007 to 08/02/2008Picasso -IncisoreBanca di LegnanoLEGNANO
Japan
From 13/10/2007 to 25/01/2008Picasso - Ludwig Museum's CollectionPrefectural Museum of ArtKUMAMOTO
Netherlands
From 15/12/2007 to 30/03/2008Picasso in Den Haag - Collection of the Museum Ludwig CologneGemeentemuseumDEN HAAG
Norway
From 03/02/2008 to 08/05/2008Pablo Picasso: Figur og boldeBergen Art Museum BERGEN
Spain
From 22/10/2007 to 27/01/2008Picasso-Objeto e imagenMuseo Picasso MALAGA
From 17/10/2007 to 03/02/2008Picasso - Laboratorio de Estilos, Retrato FemeninoFondation Pedro Barri? de la MazaLA CORU?A
From 17/10/2007 to 03/02/2008Picasso - Laboratorio de Estilos, Naturalezas MuertasFondation Pedro Barri? de la MazaVIGO
From 19/12/2007 to 30/03/2008Picasso et sa collection Museo Picasso
Switzerland
From 01/12/2007 to 17/02/2008Picasso aus der Sammlung des Sprengel Museum HannoverKulturzentrumSEEDAMM
U.S.A.
From 27/07/2007 to 27/04/2008Monet, C?zanne, Picasso & Moore - Modern Masters from the Guggenheim CollectionVenetian Hotel ResortLAS VEGAS
From 29/01/2007 to 19/05/2008Picasso: Preoccupations and PassionsMuseum of ArtNAPLES (Floride)
"The Old Guitarist" Pablo Picaso
From : http://www.allposters.com/
About the Artwork
“The Old Guitarist”, by Pablo Picasso (1881-1973) was one of the most famous artworks from his Blue Period, which was tragically triggered by a close friend’s suicide. Only 20 years old at the time, Picasso’s Blue period artworks are an astounding portrayal of complex emotions utilizing a limited palette of somber blues and greens. A twentieth century grand master, Picasso co-founded of cubism and created a prolific 20,000 paintings, prints, sculptures and drawings during his lifetime."" -->-->-->
This high-quality art print is expertly produced to capture the vivid color and exceptional detail of the original.
About the Artwork
“The Old Guitarist”, by Pablo Picasso (1881-1973) was one of the most famous artworks from his Blue Period, which was tragically triggered by a close friend’s suicide. Only 20 years old at the time, Picasso’s Blue period artworks are an astounding portrayal of complex emotions utilizing a limited palette of somber blues and greens. A twentieth century grand master, Picasso co-founded of cubism and created a prolific 20,000 paintings, prints, sculptures and drawings during his lifetime."" -->-->-->
This high-quality art print is expertly produced to capture the vivid color and exceptional detail of the original.
"Starry Night" Vincent Van Gogh
from : http://www.allposters.com/
About the Artwork
Vincent Van Gogh’s genius hauntingly shines in the swirled brushstrokes, vivid colors and distorted forms of “Starry Night.” A Dutch Grand Master, Van Gogh (1853 – 1890) was an astoundingly prolific post-Impressionist who produced all of his work in 10 years, but only sold one painting in his life. While institutionalized, Van Gogh created “Starry Night,” his most famous painting, completely from memory. It now hangs in the permanent collection in New York’s Museum of Modern Art."" -->-->-->
This high-quality art print is expertly produced to capture the vivid color and exceptional detail of the original.
About the Artwork
Vincent Van Gogh’s genius hauntingly shines in the swirled brushstrokes, vivid colors and distorted forms of “Starry Night.” A Dutch Grand Master, Van Gogh (1853 – 1890) was an astoundingly prolific post-Impressionist who produced all of his work in 10 years, but only sold one painting in his life. While institutionalized, Van Gogh created “Starry Night,” his most famous painting, completely from memory. It now hangs in the permanent collection in New York’s Museum of Modern Art."" -->-->-->
This high-quality art print is expertly produced to capture the vivid color and exceptional detail of the original.
Picasso Érotique show
From : http://www.picasso.com/
The Picasso Érotique show was last exhibited in Barcelona, Spain, after a successful run in Montreal, Canada. The show drew hundreds of thousands of visitors in a handful of cities, and has inspired people the world over. Below is an excellent review prepared by the Montreal Museum of Fine Arts. For complete coverage (including media reviews of the show) of this show, have a look at our special page.The selection of more than 350 works - many rarely, if ever, exhibited publicly before due to reasons of censorship - spans the artist's entire career and includes paintings, prints and drawings, sculpture and ceramics. Together, these reveal the profound, persistent and remarkably varied role that erotic imagery, ideas and experiences played in Picasso's work - from the bordello scenes of his youth in Barcelona to the epochal Les Demoiselles d'Avignon (sketches for which are included in the exhibition) and the nudes he produced at the age of ninety. As Picasso himself once stated, when asked about his views on art and sexuality, "They're the same thing." Garnered from more than forty public and private collections worldwide, the exhibition features erotic works representative of virtually all the phases and styles of Picasso's career. Drawn from personal experience, imagination, mythology and earlier art, these images - by turns humorous and melancholic, enraptured and enraged - explore an almost encyclopedic range of sexual impulses, practices and human desire."Given the enormity of Picasso's oeuvre and influence, it is remarkable that up to now there has been no full-scale, major museum exhibition devoted to the central importance of erotic subject matter in his art," stated Museum Director Guy Cogeval. "Fascinating and often stunningly beautiful in and of themselves, these works will provide a long-overdue contribution to our understanding of the greatest artist of the twentieth century - and, indeed, of the nature of the artistic process and of creativity itself. It is most appropriate that this historic exhibition should take place at the Montreal Museum of Fine Arts, which in the past has hosted such important displays of Picasso's work as Picasso and Man (1964) and Pablo Picasso: Meeting in Montreal, organized in collaboration with Jacqueline Picasso, the artist's last wife."The ExhibitionAs Picasso's numerous biographers - and the artist himself - have confirmed, sex and the women in his life had an enormous influence on his work. Indeed, the painter's rapid and often dramatic changes of style are frequently attributed to the presence of a new love interest, the waning of an old one, or both. While the autobiographical character of Picasso's erotic art is undeniable, such subjects also served as a means of exploring - and challenging - the very nature of art and its role in society.Organized chronologically and thematically, the exhibition is divided into three successive phases of Picasso's career: "The Early Years", "Between the Wars" and "Maturity", each of which is subdivided into particular motifs or projects that figured prominently in his erotic oeuvre. At various points in the exhibition, there are also viewing areas for film excerpts related to Picasso's erotic imagery.The Early Years: The Brothels of BarcelonaPicasso érotique opens, appropriately enough, with an installation evoking a fin-de-siècle brothel - the setting both for many of the painter's earliest sexual exploits and for his first large body of erotic drawings. An adjacent gallery displays a number of these works, most of them depicting the prostitutes and patrons of Barcelona's notorious barrio chino, or red-light district, which the young Picasso and his fellow artist friends frequented during the late 1890s and early 1900s. Drawn in a linear, almost caricaturist style reminiscent of Toulouse-Lautrec, many of these are graphic and often grotesquely humorous depictions of various sex acts, clearly designed to amuse and titillate. The Mackerel (1902-1903), for example, shows a nude woman with a long-tongued fish between her legs. There are also poetic and quite lyrical scenes of lovemaking from this period, such as Embrace (1901) and Two Figures and a Cat (1902-1903), as well as the disturbing image of a nude woman in bed being strangled by a man.Produced at a time when Picasso was being encouraged to concentrate on historical and religious subjects (one of his first public successes, produced at age sixteen, was a solemn allegory entitled Science and Charity), these brothel sketches may have then seemed incidental to his developing career. However, many of the images first treated in these works - the embrace, the kiss, the artist gazing at his slumbering lover, violation, and death - would eventually become central themes in Picasso's oeuvre, reprised again and again until the end of his life.This section also includes one of the precocious artist's earliest drawings of any kind, a sketch of a donkey mounting a she-ass, jotted in the margins of a school notebook when Picasso was about twelve.The Early Years: Paris and Les Demoiselles d'AvignonThe following galleries document the importance of erotic subjects during the crucial period from 1904, when Picasso moved to Paris, to the completion, in the spring of 1907, of Les Demoiselles d'Avignon, a depiction of five prostitutes that is regarded as one of the most important paintings in the history of modern art.La Toilette, a major painting of 1906, shows a nude woman standing before a mirror and arranging her hair. The classical pose, sculptural form and overall dignity and restraint of the work reflect Picasso's new fascination with Greco-Roman art - and, perhaps, with his new mistress, Fernande Olivier. Often regarded as Picasso's first "true love", this statuesque and elegant Frenchwoman was the model for numerous works, erotic and otherwise, of the early 1900s. In The Harem, a more overtly erotic painting of 1906, Fernande appears in a variety of graceful, classically inspired nude poses, while a powerfully built nude man, seated languorously in the foreground, looks on. In retrospect, the work can be seen as an early step towards Les Demoiselles d'Avignon.The exhibition features a number of important studies for this revolutionary masterpiece. Among them is a compositional drawing for Les Demoiselles of March-April 1907, which differs from the final version in the inclusion of two men, one entering a door, the other seated amid the group of nude women. The presence of these men, both fully clothed, confirms that the subject of this painting, for all its violent distortions of form and space, is a group of prostitutes in a brothel greeting prospective customers.Between the WarsThe exhibition then proceeds to show the myriad and increasingly sophisticated forms that Picasso's erotic oeuvre took during the decades leading up to World War II.A number of erotic works dating from the late 1920s and early 1930s reflect his interest in Surrealism, which advocated the reconstruction of nature according to one's imaginative fantasies. For Picasso, these fantasies were often of a sexual nature - "Why not the sex organs in place of the eyes, and the eyes between the legs?" he once wondered - and the result is a series of hybrid and often playfully erotic creatures. In Figures by the Seashore (1931), for example, some protuberances and orifices are anatomically recognizable, some are not; but collectively the entwining forms are an eloquent expression of sexual union. In addition to drawings and paintings, the exhibition also includes a number of sculptures dating from the artist's Surrealist phase, including The Couple (1930), Head of a Woman (1931) and Bather (1931).The next section of the exhibition is devoted to the important group of erotic works Picasso produced at Boisgeloup, the house he bought in 1930 as a studio and trysting place for his new love, Marie-Thérèse Walter. Some twenty-nine years his junior, she provided the artist - now almost fifty and in the last stages of his unhappy marriage to the Russian ballerina Olga Kokhlova ("the castrator") - with a new sexual and artistic lease on life.In such paintings as Siesta (1932) and Recumbent Nude (1932) Marie-Thérèse's sleeping form is painted in voluptuous sweeping curves and flat areas of gay colors. In the somewhat later Nude in a Garden (1934) - described as one of the ultimate artistic expressions of sexual joy - her body is abstracted and rearranged according to his desire, becoming a series of delicately painted pink breasts and orifices.This section also includes selections from Picasso's series of illustrations to Ovid's Metamorphoses (begun in 1930 at Boisgeloup) and other mythologically inspired scenes of pursuit, seduction and rape. His personal mythologizing of himself as the Minotaur, a lascivious half-human, bison-headed monster, figures prominently in a number of these works, such as Dora and the Minotaur. Dated September 1936, a few months after the beginning of his relationship with the photographer Dora Maar, it shows the shaggy beast preparing to bury his muzzle in his nude victim's pudenda.MaturityThe erotic works produced during the last decades of Picasso's life - a time when the artist enjoyed a celebrity unmatched in the annals of modern art - often reflect an increasing awareness of his own mortality and the inevitable waning of his sexual powers. Many of these are self-mocking and broadly humorous, such as collages in which a drawn image of a knock-kneed old man with glasses and a beret ogles and fondles photographs of pinup girls cut from magazines (1957). (Indeed, the tabloid press had made much of his liaison with the young painter Françoise Gilot, begun when he sixty-two and she was twenty-one). Similarly humorous in tone, but very different in source, are the group of ceramics (1962) with crudely painted images of aging "excited" satyrs in pursuit of fleeing nymphs, clearly intended as caricatures of erotic scenes on Greek vase painting.The exhibition also features a number of works from one of the artist's most famous and extensive projects of erotic art, Suite 347 (1968), a series of risqué prints dealing with the imagined sex lives of great artists of the past. A group of approximately twenty-five etchings depict the Renaissance master Raphael cavorting with his mistress "La Fornarina", often with the decrepit Pope Julius II as a goggle-eyed voyeur. In a similar vein is the selection of prints from Picasso's 1971 series - again, imaginary - of Degas visiting a Paris brothel.In late paintings such as The Kiss (1969) and The Embrace (1971), a gift to the Montreal Museum of Fine Arts from Jacqueline Picasso, Picasso reprises themes and images that had informed the erotic art of earlier years. Now, however, the contours are often jagged and, in the oils, the paint is thick and applied with a new expressive urgency. The exhibition concludes with one of Picasso's last drawings, an image of a nude woman dated 1972, the year before his death at the age of ninety-one. A work of enormous pathos and power, it depicts a grotesquely aged woman, with sagging breasts and elephantine legs, slumped against the wall. She gazes at us with one wide, staring eye, while below, like a second eye, are the slashing lines of her genitals.Exhibition TourPicasso érotique opened on February 29, 2001, at the Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, where it was shown until May 20, 2001. Following its Montreal showing - the only one in North America - the exhibition was presented at the Museu Picasso, Barcelona, from October 25, 2001, to January 25, 2002.Exhibition CataloguePicasso érotique is accompanied by a Picasso Érotique Catalogue fully illustrated catalogue with original essays by an international team of leading Picasso scholars, including Jean-Jacques Lebel; Marilyn McCully, independent curator; Maria Teresa Ocaña, director of the Museu Picasso; Robert Rosenblum, curator of twentieth-century art at the Solomon Guggenheim Museum of Art, New York; Jean Clair; Brigitte Baer, author of the catalogue raisonné of Picasso's prints; and writers Pascal Quignard and Annie Le Brun, among others. It is available in English and French editions at the Montreal Museum of Fine Arts.Organization and SponsorshipPicasso érotique is organized by the Montreal Museum of Fine Arts, the Musée national Picasso and the Réunion des musées nationaux in co-production with the Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, and the Museu Picasso, Barcelona. The curators of the exhibition are Gérard Régnier, director, Musée national Picasso, Paris; Guy Cogeval, Director, The Montreal Museum of Fine Arts; and Maria Teresa Ocaña, director, Museu Picasso, Barcelona. French author and artist Jean-Jacques Lebel, guest curator of the Montreal exhibition, worked in collaboration with Dominique Dupuis-Labbé of the Musée national Picasso, Paris, and Nathalie Bondil-Poupard, Chief Curator at the Montreal Museum of Fine Arts (both deputy curators for this exhibition).Reprinted with the permission of the Montreal Museum of Fine Arts.
The Picasso Érotique show was last exhibited in Barcelona, Spain, after a successful run in Montreal, Canada. The show drew hundreds of thousands of visitors in a handful of cities, and has inspired people the world over. Below is an excellent review prepared by the Montreal Museum of Fine Arts. For complete coverage (including media reviews of the show) of this show, have a look at our special page.The selection of more than 350 works - many rarely, if ever, exhibited publicly before due to reasons of censorship - spans the artist's entire career and includes paintings, prints and drawings, sculpture and ceramics. Together, these reveal the profound, persistent and remarkably varied role that erotic imagery, ideas and experiences played in Picasso's work - from the bordello scenes of his youth in Barcelona to the epochal Les Demoiselles d'Avignon (sketches for which are included in the exhibition) and the nudes he produced at the age of ninety. As Picasso himself once stated, when asked about his views on art and sexuality, "They're the same thing." Garnered from more than forty public and private collections worldwide, the exhibition features erotic works representative of virtually all the phases and styles of Picasso's career. Drawn from personal experience, imagination, mythology and earlier art, these images - by turns humorous and melancholic, enraptured and enraged - explore an almost encyclopedic range of sexual impulses, practices and human desire."Given the enormity of Picasso's oeuvre and influence, it is remarkable that up to now there has been no full-scale, major museum exhibition devoted to the central importance of erotic subject matter in his art," stated Museum Director Guy Cogeval. "Fascinating and often stunningly beautiful in and of themselves, these works will provide a long-overdue contribution to our understanding of the greatest artist of the twentieth century - and, indeed, of the nature of the artistic process and of creativity itself. It is most appropriate that this historic exhibition should take place at the Montreal Museum of Fine Arts, which in the past has hosted such important displays of Picasso's work as Picasso and Man (1964) and Pablo Picasso: Meeting in Montreal, organized in collaboration with Jacqueline Picasso, the artist's last wife."The ExhibitionAs Picasso's numerous biographers - and the artist himself - have confirmed, sex and the women in his life had an enormous influence on his work. Indeed, the painter's rapid and often dramatic changes of style are frequently attributed to the presence of a new love interest, the waning of an old one, or both. While the autobiographical character of Picasso's erotic art is undeniable, such subjects also served as a means of exploring - and challenging - the very nature of art and its role in society.Organized chronologically and thematically, the exhibition is divided into three successive phases of Picasso's career: "The Early Years", "Between the Wars" and "Maturity", each of which is subdivided into particular motifs or projects that figured prominently in his erotic oeuvre. At various points in the exhibition, there are also viewing areas for film excerpts related to Picasso's erotic imagery.The Early Years: The Brothels of BarcelonaPicasso érotique opens, appropriately enough, with an installation evoking a fin-de-siècle brothel - the setting both for many of the painter's earliest sexual exploits and for his first large body of erotic drawings. An adjacent gallery displays a number of these works, most of them depicting the prostitutes and patrons of Barcelona's notorious barrio chino, or red-light district, which the young Picasso and his fellow artist friends frequented during the late 1890s and early 1900s. Drawn in a linear, almost caricaturist style reminiscent of Toulouse-Lautrec, many of these are graphic and often grotesquely humorous depictions of various sex acts, clearly designed to amuse and titillate. The Mackerel (1902-1903), for example, shows a nude woman with a long-tongued fish between her legs. There are also poetic and quite lyrical scenes of lovemaking from this period, such as Embrace (1901) and Two Figures and a Cat (1902-1903), as well as the disturbing image of a nude woman in bed being strangled by a man.Produced at a time when Picasso was being encouraged to concentrate on historical and religious subjects (one of his first public successes, produced at age sixteen, was a solemn allegory entitled Science and Charity), these brothel sketches may have then seemed incidental to his developing career. However, many of the images first treated in these works - the embrace, the kiss, the artist gazing at his slumbering lover, violation, and death - would eventually become central themes in Picasso's oeuvre, reprised again and again until the end of his life.This section also includes one of the precocious artist's earliest drawings of any kind, a sketch of a donkey mounting a she-ass, jotted in the margins of a school notebook when Picasso was about twelve.The Early Years: Paris and Les Demoiselles d'AvignonThe following galleries document the importance of erotic subjects during the crucial period from 1904, when Picasso moved to Paris, to the completion, in the spring of 1907, of Les Demoiselles d'Avignon, a depiction of five prostitutes that is regarded as one of the most important paintings in the history of modern art.La Toilette, a major painting of 1906, shows a nude woman standing before a mirror and arranging her hair. The classical pose, sculptural form and overall dignity and restraint of the work reflect Picasso's new fascination with Greco-Roman art - and, perhaps, with his new mistress, Fernande Olivier. Often regarded as Picasso's first "true love", this statuesque and elegant Frenchwoman was the model for numerous works, erotic and otherwise, of the early 1900s. In The Harem, a more overtly erotic painting of 1906, Fernande appears in a variety of graceful, classically inspired nude poses, while a powerfully built nude man, seated languorously in the foreground, looks on. In retrospect, the work can be seen as an early step towards Les Demoiselles d'Avignon.The exhibition features a number of important studies for this revolutionary masterpiece. Among them is a compositional drawing for Les Demoiselles of March-April 1907, which differs from the final version in the inclusion of two men, one entering a door, the other seated amid the group of nude women. The presence of these men, both fully clothed, confirms that the subject of this painting, for all its violent distortions of form and space, is a group of prostitutes in a brothel greeting prospective customers.Between the WarsThe exhibition then proceeds to show the myriad and increasingly sophisticated forms that Picasso's erotic oeuvre took during the decades leading up to World War II.A number of erotic works dating from the late 1920s and early 1930s reflect his interest in Surrealism, which advocated the reconstruction of nature according to one's imaginative fantasies. For Picasso, these fantasies were often of a sexual nature - "Why not the sex organs in place of the eyes, and the eyes between the legs?" he once wondered - and the result is a series of hybrid and often playfully erotic creatures. In Figures by the Seashore (1931), for example, some protuberances and orifices are anatomically recognizable, some are not; but collectively the entwining forms are an eloquent expression of sexual union. In addition to drawings and paintings, the exhibition also includes a number of sculptures dating from the artist's Surrealist phase, including The Couple (1930), Head of a Woman (1931) and Bather (1931).The next section of the exhibition is devoted to the important group of erotic works Picasso produced at Boisgeloup, the house he bought in 1930 as a studio and trysting place for his new love, Marie-Thérèse Walter. Some twenty-nine years his junior, she provided the artist - now almost fifty and in the last stages of his unhappy marriage to the Russian ballerina Olga Kokhlova ("the castrator") - with a new sexual and artistic lease on life.In such paintings as Siesta (1932) and Recumbent Nude (1932) Marie-Thérèse's sleeping form is painted in voluptuous sweeping curves and flat areas of gay colors. In the somewhat later Nude in a Garden (1934) - described as one of the ultimate artistic expressions of sexual joy - her body is abstracted and rearranged according to his desire, becoming a series of delicately painted pink breasts and orifices.This section also includes selections from Picasso's series of illustrations to Ovid's Metamorphoses (begun in 1930 at Boisgeloup) and other mythologically inspired scenes of pursuit, seduction and rape. His personal mythologizing of himself as the Minotaur, a lascivious half-human, bison-headed monster, figures prominently in a number of these works, such as Dora and the Minotaur. Dated September 1936, a few months after the beginning of his relationship with the photographer Dora Maar, it shows the shaggy beast preparing to bury his muzzle in his nude victim's pudenda.MaturityThe erotic works produced during the last decades of Picasso's life - a time when the artist enjoyed a celebrity unmatched in the annals of modern art - often reflect an increasing awareness of his own mortality and the inevitable waning of his sexual powers. Many of these are self-mocking and broadly humorous, such as collages in which a drawn image of a knock-kneed old man with glasses and a beret ogles and fondles photographs of pinup girls cut from magazines (1957). (Indeed, the tabloid press had made much of his liaison with the young painter Françoise Gilot, begun when he sixty-two and she was twenty-one). Similarly humorous in tone, but very different in source, are the group of ceramics (1962) with crudely painted images of aging "excited" satyrs in pursuit of fleeing nymphs, clearly intended as caricatures of erotic scenes on Greek vase painting.The exhibition also features a number of works from one of the artist's most famous and extensive projects of erotic art, Suite 347 (1968), a series of risqué prints dealing with the imagined sex lives of great artists of the past. A group of approximately twenty-five etchings depict the Renaissance master Raphael cavorting with his mistress "La Fornarina", often with the decrepit Pope Julius II as a goggle-eyed voyeur. In a similar vein is the selection of prints from Picasso's 1971 series - again, imaginary - of Degas visiting a Paris brothel.In late paintings such as The Kiss (1969) and The Embrace (1971), a gift to the Montreal Museum of Fine Arts from Jacqueline Picasso, Picasso reprises themes and images that had informed the erotic art of earlier years. Now, however, the contours are often jagged and, in the oils, the paint is thick and applied with a new expressive urgency. The exhibition concludes with one of Picasso's last drawings, an image of a nude woman dated 1972, the year before his death at the age of ninety-one. A work of enormous pathos and power, it depicts a grotesquely aged woman, with sagging breasts and elephantine legs, slumped against the wall. She gazes at us with one wide, staring eye, while below, like a second eye, are the slashing lines of her genitals.Exhibition TourPicasso érotique opened on February 29, 2001, at the Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, where it was shown until May 20, 2001. Following its Montreal showing - the only one in North America - the exhibition was presented at the Museu Picasso, Barcelona, from October 25, 2001, to January 25, 2002.Exhibition CataloguePicasso érotique is accompanied by a Picasso Érotique Catalogue fully illustrated catalogue with original essays by an international team of leading Picasso scholars, including Jean-Jacques Lebel; Marilyn McCully, independent curator; Maria Teresa Ocaña, director of the Museu Picasso; Robert Rosenblum, curator of twentieth-century art at the Solomon Guggenheim Museum of Art, New York; Jean Clair; Brigitte Baer, author of the catalogue raisonné of Picasso's prints; and writers Pascal Quignard and Annie Le Brun, among others. It is available in English and French editions at the Montreal Museum of Fine Arts.Organization and SponsorshipPicasso érotique is organized by the Montreal Museum of Fine Arts, the Musée national Picasso and the Réunion des musées nationaux in co-production with the Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris, and the Museu Picasso, Barcelona. The curators of the exhibition are Gérard Régnier, director, Musée national Picasso, Paris; Guy Cogeval, Director, The Montreal Museum of Fine Arts; and Maria Teresa Ocaña, director, Museu Picasso, Barcelona. French author and artist Jean-Jacques Lebel, guest curator of the Montreal exhibition, worked in collaboration with Dominique Dupuis-Labbé of the Musée national Picasso, Paris, and Nathalie Bondil-Poupard, Chief Curator at the Montreal Museum of Fine Arts (both deputy curators for this exhibition).Reprinted with the permission of the Montreal Museum of Fine Arts.
Tuesday, April 29, 2008
Not for profit organization
A+D Gallery
Acme Art Works
Art Dealers Association of America (ADAA)
David Adler Cultural Center
American Academy of Art
American Society of Appraisers/Chicago Chapter
Anatomically Correct Art in Public Spaces
Anchor Graphics @ Columbia College Chicago
Appraisers Association of America, Inc. (AAA)
ARC (Artists, Residents of Chicago) Gallery
Around the Coyote
A.R.T. (Art Resources in Teaching)
The Art Center Highland Park (formerly Suburban Art Center)
Art Dealers Association of Chicago (CADA)
The Art Institute of Chicago
School of the Art Institute of Chicago Betty Rymer Gallery
School of the Art Institute of Chicago Gallery 2 and Project Space
The Art Institute of Chicago Society for Contemporary Art
Artisans 21 Gallery
Arts & Business Council of Chicago
The Arts Club of Chicago
Artwalk Ravenswood
Aurora Public Art Commission Gallery
Balzekas Museum of Lithuanian Culture
Bauman Conservation
Beacon Street Gallery & Performance Company
Beverly Art Center
Beverly Shores Depot Gallery
Mary and Leigh Block Museum of Art
Brauer Museum of Art, Valparaiso University Center for the Arts
Brickton Art Center
CAR - Chicago Artists Resource
Carroll Albany Arts Building
Chesterton Art Center
Chicago Architecture Foundation
Chicago Art Deco Society
Chicago Arts District
Chicago Artists' Coalition
The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture & Design
The Chicago Athenaeum: International Sculpture Park
The Galleries at The Chicago Botanic Garden
Chicago Children's Museum
Chicago Cultural Center
Chicago History Museum
Chicago Humanities Festival
Chicago Photography Center
Chicago Public Art Group
Chinese American Service League
The Chicago Women's Caucus for Art (CWCA)
Clarke House Museum
Columbia College Chicago Center for Book & Paper Arts
Columbia College Chicago C33 Gallery
Columbia College Glass Curtain Gallery
Columbia College Hokin Gallery and Annex
College of Lake County Wright Gallery
Contemporary Art Workshop
Contemporary Studio of Glass Art
Copernicus Foundation
Cuneo Museum
Dayton Street Studios
Robert F. DeCaprio Art Gallery Moraine Valley Community College
Deer Path Art League and Deer Path Gallery
DePaul University Art Museum
Dittmar Memorial Gallery
DuPage Art League - School and Gallery
DuSable Museum of African American History
Elmhurst Art Museum
Esperanza Community Services
ETA Creative Arts Foundation
Evanston Art Center
Evanston History Center at the Charles Gates Dawes House
Field Museum of Natural History
The Flat Iron Arts Building
Fourth World Artisans
Fra Angelico Art Foundation, Gallery and Gift Shop
Frank Lloyd Wright Home and Studio
Frank Lloyd Wright Frederick C. Robie House
Friends Of The Arts
FCPA/The Forge Gallery
Gahlberg Gallery/McAninch Arts Center
Citywide Regular Gallery Tours & Walks
Gallery 400 at the University of Illinois at Chicago
Gallery 659
Gardenfresh
Glessner House Museum
Goethe Institute
Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts
Heaven Gallery
Hedwig Dances
Hellenic Museum and Cultural Center
Hinsdale Center for the Arts
Holocaust Memorial Foundation of Illinois
Jane Adams Hull House Center for Arts and Culture
Hyde Park Art Center
Illinois Artisans Program
lllinois Artisans Shop
lllinois Arts Council
Illinois Institute of Technology, art@IIT Gallery
lllinois State Museum Chicago Gallery
Indianapolis Art Center
Indianapolis Museum of Art
Instituto Cervantes
International Museum of Surgical Science
Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art
Irish American Heritage Center
IUN Gallery for Contemporary Art
C.G. Jung Center
Krasl Art Center
The Lake County Discovery Museum
Lakeside Legacy Arts Park
Lawyers for the Creative Arts
Lill Street Learning Center and Lill Street Art Center
Lithuanian Museum of Art
Little Black Pearl Art and Design Center
Loyola University's Crown Center Gallery
Lubeznik Center for the Arts
Loyola University Museum of Art (LUMA)
Marwen
Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park
Millennium Park
Milwaukee Art Museum (MAM)
Mitchell Museum of the American Indian
John David Mooney Foundation International Currents Gallery
Museum of Contemporary Photography (MoCP)
Museum of Holography
Museum of Contemporary Art (MCA)
Museum of Science and Industry
Acme Art Works
Art Dealers Association of America (ADAA)
David Adler Cultural Center
American Academy of Art
American Society of Appraisers/Chicago Chapter
Anatomically Correct Art in Public Spaces
Anchor Graphics @ Columbia College Chicago
Appraisers Association of America, Inc. (AAA)
ARC (Artists, Residents of Chicago) Gallery
Around the Coyote
A.R.T. (Art Resources in Teaching)
The Art Center Highland Park (formerly Suburban Art Center)
Art Dealers Association of Chicago (CADA)
The Art Institute of Chicago
School of the Art Institute of Chicago Betty Rymer Gallery
School of the Art Institute of Chicago Gallery 2 and Project Space
The Art Institute of Chicago Society for Contemporary Art
Artisans 21 Gallery
Arts & Business Council of Chicago
The Arts Club of Chicago
Artwalk Ravenswood
Aurora Public Art Commission Gallery
Balzekas Museum of Lithuanian Culture
Bauman Conservation
Beacon Street Gallery & Performance Company
Beverly Art Center
Beverly Shores Depot Gallery
Mary and Leigh Block Museum of Art
Brauer Museum of Art, Valparaiso University Center for the Arts
Brickton Art Center
CAR - Chicago Artists Resource
Carroll Albany Arts Building
Chesterton Art Center
Chicago Architecture Foundation
Chicago Art Deco Society
Chicago Arts District
Chicago Artists' Coalition
The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture & Design
The Chicago Athenaeum: International Sculpture Park
The Galleries at The Chicago Botanic Garden
Chicago Children's Museum
Chicago Cultural Center
Chicago History Museum
Chicago Humanities Festival
Chicago Photography Center
Chicago Public Art Group
Chinese American Service League
The Chicago Women's Caucus for Art (CWCA)
Clarke House Museum
Columbia College Chicago Center for Book & Paper Arts
Columbia College Chicago C33 Gallery
Columbia College Glass Curtain Gallery
Columbia College Hokin Gallery and Annex
College of Lake County Wright Gallery
Contemporary Art Workshop
Contemporary Studio of Glass Art
Copernicus Foundation
Cuneo Museum
Dayton Street Studios
Robert F. DeCaprio Art Gallery Moraine Valley Community College
Deer Path Art League and Deer Path Gallery
DePaul University Art Museum
Dittmar Memorial Gallery
DuPage Art League - School and Gallery
DuSable Museum of African American History
Elmhurst Art Museum
Esperanza Community Services
ETA Creative Arts Foundation
Evanston Art Center
Evanston History Center at the Charles Gates Dawes House
Field Museum of Natural History
The Flat Iron Arts Building
Fourth World Artisans
Fra Angelico Art Foundation, Gallery and Gift Shop
Frank Lloyd Wright Home and Studio
Frank Lloyd Wright Frederick C. Robie House
Friends Of The Arts
FCPA/The Forge Gallery
Gahlberg Gallery/McAninch Arts Center
Citywide Regular Gallery Tours & Walks
Gallery 400 at the University of Illinois at Chicago
Gallery 659
Gardenfresh
Glessner House Museum
Goethe Institute
Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts
Heaven Gallery
Hedwig Dances
Hellenic Museum and Cultural Center
Hinsdale Center for the Arts
Holocaust Memorial Foundation of Illinois
Jane Adams Hull House Center for Arts and Culture
Hyde Park Art Center
Illinois Artisans Program
lllinois Artisans Shop
lllinois Arts Council
Illinois Institute of Technology, art@IIT Gallery
lllinois State Museum Chicago Gallery
Indianapolis Art Center
Indianapolis Museum of Art
Instituto Cervantes
International Museum of Surgical Science
Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art
Irish American Heritage Center
IUN Gallery for Contemporary Art
C.G. Jung Center
Krasl Art Center
The Lake County Discovery Museum
Lakeside Legacy Arts Park
Lawyers for the Creative Arts
Lill Street Learning Center and Lill Street Art Center
Lithuanian Museum of Art
Little Black Pearl Art and Design Center
Loyola University's Crown Center Gallery
Lubeznik Center for the Arts
Loyola University Museum of Art (LUMA)
Marwen
Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park
Millennium Park
Milwaukee Art Museum (MAM)
Mitchell Museum of the American Indian
John David Mooney Foundation International Currents Gallery
Museum of Contemporary Photography (MoCP)
Museum of Holography
Museum of Contemporary Art (MCA)
Museum of Science and Industry
Galleries list
The Galleries section is arranged by geographic districts to make gallery visits easier. If you're looking for a particular gallery and are unsure of the area, you may search for the gallery or use the alphabetical index
River North
The greatest concentration of galleries in Chicago can be found in River North— many within a block or two from the intersection of Superior and Franklin Streets. The district’s boundaries are generally: Chicago Avenue on the north; the Merchandise Mart on the south; west to Orleans Street and east to Dearborn.
West Loop
The West Side “district” incorporates Randolph and Fulton Markets,West Loop Gate, and other near west side locations. Boundaries for this guide are: Chicago Avenue on the north; Halsted on the east, and Roosevelt Road on the south. The largest gallery centers in this “district” are near the intersection of Peoria and Washington and in the Fulton Market area between Peoria and Racine.
Pilsen/South
Our South Side map covers a vast part of the city from Roosevelt Road south to the Indiana border; Central Avenue on the west and east to Lake Michigan. Neighborhoods include Pilsen, Bridgeport, Hyde Park, Chinatown and Bronzeville. The largest concentration of galleries in the area is in Pilsen East’s Chicago Arts District, near Halsted and 18th Streets. Among other major south side art destinations are: the Museum Campus, National Vietnam Veterans Art Museum, Mexican Fine Arts Center Museum, DuSable Museum, and the museums on the University of Chicago campus.
Mich. Ave./Riv. East/S.Loop
Approximately 25 galleries can be found along the “Magnificent Mile” from Oak Street to the River and further south near The Art Institute and Millennium Park. Some are in interesting ground-floor spaces just steps from Michigan Avenue; others are a short walking distance or elevator ride high above the city. Also included in the this area are The Museum of Contemporary Art, the River East Art Center and Navy Pier.
North/Bucktown/Wicker Park
Old Town and The Clybourn Corridor offer two North Side clusters of galleries, but the “district” covers a broad geographical area including a number of interesting neighborhoods such as Bucktown, Wicker Park, Lakeview, and Lincoln Park. Besides galleries, the north side includes the Chicago Historical Society, streets surrounding the Coyote Tower (North/ Milwaukee/Damen), and scores of artists living and working in Chicago.
Suburbs and Beyond
Beyond the city limits, the Chicago art scene continues with galleries and university spaces. Some are in Evanston— just 5 miles north of the city near Northwestern University; others are in Oak Park near the Frank Lloyd Wright Home and Studio; and many can be found in nearby suburbs and neighboring states.
River North
The greatest concentration of galleries in Chicago can be found in River North— many within a block or two from the intersection of Superior and Franklin Streets. The district’s boundaries are generally: Chicago Avenue on the north; the Merchandise Mart on the south; west to Orleans Street and east to Dearborn.
West Loop
The West Side “district” incorporates Randolph and Fulton Markets,West Loop Gate, and other near west side locations. Boundaries for this guide are: Chicago Avenue on the north; Halsted on the east, and Roosevelt Road on the south. The largest gallery centers in this “district” are near the intersection of Peoria and Washington and in the Fulton Market area between Peoria and Racine.
Pilsen/South
Our South Side map covers a vast part of the city from Roosevelt Road south to the Indiana border; Central Avenue on the west and east to Lake Michigan. Neighborhoods include Pilsen, Bridgeport, Hyde Park, Chinatown and Bronzeville. The largest concentration of galleries in the area is in Pilsen East’s Chicago Arts District, near Halsted and 18th Streets. Among other major south side art destinations are: the Museum Campus, National Vietnam Veterans Art Museum, Mexican Fine Arts Center Museum, DuSable Museum, and the museums on the University of Chicago campus.
Mich. Ave./Riv. East/S.Loop
Approximately 25 galleries can be found along the “Magnificent Mile” from Oak Street to the River and further south near The Art Institute and Millennium Park. Some are in interesting ground-floor spaces just steps from Michigan Avenue; others are a short walking distance or elevator ride high above the city. Also included in the this area are The Museum of Contemporary Art, the River East Art Center and Navy Pier.
North/Bucktown/Wicker Park
Old Town and The Clybourn Corridor offer two North Side clusters of galleries, but the “district” covers a broad geographical area including a number of interesting neighborhoods such as Bucktown, Wicker Park, Lakeview, and Lincoln Park. Besides galleries, the north side includes the Chicago Historical Society, streets surrounding the Coyote Tower (North/ Milwaukee/Damen), and scores of artists living and working in Chicago.
Suburbs and Beyond
Beyond the city limits, the Chicago art scene continues with galleries and university spaces. Some are in Evanston— just 5 miles north of the city near Northwestern University; others are in Oak Park near the Frank Lloyd Wright Home and Studio; and many can be found in nearby suburbs and neighboring states.
Pameran INDONESIA PORTRAITS Indra Leonardi
Berbagi Jiwa Indra Leonardi
Sumber Koran SINDO/Minggu, 25/03/2007
Dua buah foto tangan kanan milik pebulutangkis legendaris Rudy Hartono terpampang di dinding dekat sebuah pintu di ruang pameran Galeri Nasional Jakarta.
Yang satu (terpampang di dinding bagian kanan pintu) dalam posisi mengepal sedangkan yang lainnya (sebelah kiri pintu) dalam posisi membuka jari jemari. Seakan, kelima jari sang jawara sedang melambai-lambai. Kedua fotografi tangan kanan Rudy ini dicetak hitamputih dalam ukuran cukup besar. Tertulis komentar pendek pada secarik kertas yang menempel di bagian bawah foto: ’Rudy’s hands proved to be the most important part in his career’.
Sementara fotografi sosok Rudy–yang juga dalam ukuran besar-- tepat berada di dinding belakang (dalam ruangan berbeda) kedua fotografi tangan kanannya. Jadi, tampak sosok wajah Rudy berada di antara kedua fotografi tangannya.Fotografi Rudy, satu dari ratusan fotografi tokoh Indonesia yang dipampang dalam pameran fotografi bertajuk ”Indonesian Portraits”karya Indra Leonardi, yang digelar di Galeri Nasional dari 24 Maret – 1 April 2007. Melalui komentar pendek dan fotografi tangan kanan itu sendiri, Indra ingin mengajak orang melihat pribadi sang jawara.Melalui tangan yang terkepal itu, Indra memperkenalkan Rudy sebagai pribadi yang ulet dan telaten.
Dengan kebulatan tekad dan daya juang tinggi –seperti disimbolkan tangan yang mengepal itu– Rudy meraih kesuksesan sebagai pebulutangkis yang menoreh sejarah dunia dan mengharumkan Indonesia dengan tercatat sebagai juara All England delapan kali. Tapi,tentu kebahagiaan atas kemenangan itu,Rudy rasakan sebagai kebahagiaan sebuah bangsa. Ia pun menyampaikan terima kasih kepada khalayak lewat tangannya yang melambai- lambai. Fotografi yang sangat personal itu menjadi ciri khas dalam karya fotografer Indra Leonardi. Karyanya selalu mengajak orang untuk menatap lebih jauh ke dalam pribadi seseorang.
Dia tidak membiarkan penyimak karyanya berhenti pada gambar itu sendiri, tapi lebih jauh berdialog, bahkan menangkap karakternya. Ratusan karyanya yang dipamerkan saat ini menyingkap sisi-sisi terdalam dari tokoh-tokoh yang dia potret. Ratusan tokoh, baik di bidang hiburan, politik, budaya, olahraga, serta profesi lainnya, dia rekam secara personal. Sebut saja beberapa foto yang dipajang di dinding pamer Galeri Nasional antara lain foto diri Presiden Susilo Bambang Yudhoyono dan fotografi Ibu Negara Ny Ani Yudhoyono.
Ada juga foto diri sastrawan Pramoedya Ananta Toer (almarhum)dan budayawan Goenawan Mohammad bertelanjang dada. Dari tokoh olahraga, terdapat foto juara dunia tinju Chris John, pembulutangkis Taufik Hidayat, petenis Angelique Wijaya, serta mantan Ketua KONI Agum Gumelar. Dari dunia hiburan, Indra memotret sutradara Garin Nugroho dan promotor musik Adrie Subono. Menurut Indra, penggalian karakter itu tidak selamanya mudah. Untuk memotret Ibu Negara, misalnya, Indra harus beberapa kali berkeliling Istana Negara mencari tempat yang sesuai bagi karakter anggun First Lady. Hasilnya adalah sebuah ruang bernuansa emas yang kontras dengan kebaya hijau toskah yang dikenakan sang Ibu Negara.
Sementara untuk tokoh yang cukup gampang difoto, Indra menyebut nama monolog Butet Kartaredjasa yang sudah lama diincarnya untuk difoto.”Orangnya ekspresif,kita fotografer dapat merasa beruntung untuk dapat model seperti dia. Nggak usah disuruh ke sana ke sini, si Butet sudah cukup ekspresif, bergerak-gerak dan tinggal diklik,” kata Indra di sela pembukaan pameran,Jumat (23/3). Pameran ”Indonesian Portraits” adalah hasil karya Indra dalam rentang waktu 15 tahun. Pembukaan pameran itu sekaligus merupakan acara peluncuran buku fotografi berjudul sama yang menyajikan lebih dari 100 foto tokoh masyarakat mulai dari artis,penyanyi,maupun politisi. Proses pengumpulan hasil karya yang kemudian dibukukan Indra itu relatif lama karena dalam tiap foto Indra mencoba mengeluarkan karakter dari tokoh yang bersangkutan.
Untuk menghasilkan karya fotografi yang sungguh-sungguh mewakili pribadi seseorang, dibutuhkan ketekunan dan interaksi yang terus menerus. Lebih dari itu,keterbukaan diri terhadap orang lain menjadi hal yang penting. ”Saya selalu menyerahkan jiwa saya sebelum mencoba untuk menggali jiwa seseorang dihadirkan dalam fotografi yang saya buat. Sebab, fotografi memang suatu pendekatan yang personal. Dalam interaksi, saya selalu yakin untuk berbagi jiwa antara fotografer dan subjek fotografi,” tutur Indra. Interaksi yang intens, bertukar cerita, bersenda-gurau, berdiskusi dengan subjek fotografi, kata dia, selalu menjadi suatu hal yang dinikmati.
Keberhasilan Indra, kata M Firman Ichsan dan Oscar Motuloh dalam komentar kuratorial, terletak pada pendekatannya yang sangat personal. Untuk mendapat kedalaman pada subjek,Indra lebih mengutamakan pertimbangan psikologis ketimbang estetika. Sebelum memotret tokoh –tanpa pretensi dan ambisi sosial politik-- Indra berupaya menangkap karakter seorang tokoh, mendengar, dan melakukan pendekatan psikologis. Prosesnya, mula-mula mendengarkan subjek bicara, memerhatikan ekspresi mereka, danmerekamdalamingatan.Kemudian, mengingat-ingat momen ekspresi yang pernah dilihat. Setelah mendapatkan bayangan akan latar belakang, sudut pandang dan suasana yang patut bagi subjek, lantas coba ditambahkan unsur-unsur properti guna membangun situasi agar subjek tampil maksimal. ”Kemudian pada sesi pemotretan, mengajak subjek menghadirkan kesan yang pernah ditangkap, yakni lengkap dengan latar, dekorasi, koordinasi warna serta pencahayaan yang telah ditata untuk mencapai totalitas yang diinginkan,” tutur mereka. Keduanya menyebut, kerja serta karya Indra sebagai ”memindahkan tiga dimensi menjadi dua dimensi adalah perihal teknis. Namun, ada dimensi keempat yang berperan, yaitu
cerita di balik pembuatan foto (the story behind the picture)... dan fotografi akan menjadi teknis saja bila dikerjakan tanpa emosi.”(donatus nador/ant)
Sumber Koran SINDO/Minggu, 25/03/2007
Dua buah foto tangan kanan milik pebulutangkis legendaris Rudy Hartono terpampang di dinding dekat sebuah pintu di ruang pameran Galeri Nasional Jakarta.
Yang satu (terpampang di dinding bagian kanan pintu) dalam posisi mengepal sedangkan yang lainnya (sebelah kiri pintu) dalam posisi membuka jari jemari. Seakan, kelima jari sang jawara sedang melambai-lambai. Kedua fotografi tangan kanan Rudy ini dicetak hitamputih dalam ukuran cukup besar. Tertulis komentar pendek pada secarik kertas yang menempel di bagian bawah foto: ’Rudy’s hands proved to be the most important part in his career’.
Sementara fotografi sosok Rudy–yang juga dalam ukuran besar-- tepat berada di dinding belakang (dalam ruangan berbeda) kedua fotografi tangan kanannya. Jadi, tampak sosok wajah Rudy berada di antara kedua fotografi tangannya.Fotografi Rudy, satu dari ratusan fotografi tokoh Indonesia yang dipampang dalam pameran fotografi bertajuk ”Indonesian Portraits”karya Indra Leonardi, yang digelar di Galeri Nasional dari 24 Maret – 1 April 2007. Melalui komentar pendek dan fotografi tangan kanan itu sendiri, Indra ingin mengajak orang melihat pribadi sang jawara.Melalui tangan yang terkepal itu, Indra memperkenalkan Rudy sebagai pribadi yang ulet dan telaten.
Dengan kebulatan tekad dan daya juang tinggi –seperti disimbolkan tangan yang mengepal itu– Rudy meraih kesuksesan sebagai pebulutangkis yang menoreh sejarah dunia dan mengharumkan Indonesia dengan tercatat sebagai juara All England delapan kali. Tapi,tentu kebahagiaan atas kemenangan itu,Rudy rasakan sebagai kebahagiaan sebuah bangsa. Ia pun menyampaikan terima kasih kepada khalayak lewat tangannya yang melambai- lambai. Fotografi yang sangat personal itu menjadi ciri khas dalam karya fotografer Indra Leonardi. Karyanya selalu mengajak orang untuk menatap lebih jauh ke dalam pribadi seseorang.
Dia tidak membiarkan penyimak karyanya berhenti pada gambar itu sendiri, tapi lebih jauh berdialog, bahkan menangkap karakternya. Ratusan karyanya yang dipamerkan saat ini menyingkap sisi-sisi terdalam dari tokoh-tokoh yang dia potret. Ratusan tokoh, baik di bidang hiburan, politik, budaya, olahraga, serta profesi lainnya, dia rekam secara personal. Sebut saja beberapa foto yang dipajang di dinding pamer Galeri Nasional antara lain foto diri Presiden Susilo Bambang Yudhoyono dan fotografi Ibu Negara Ny Ani Yudhoyono.
Ada juga foto diri sastrawan Pramoedya Ananta Toer (almarhum)dan budayawan Goenawan Mohammad bertelanjang dada. Dari tokoh olahraga, terdapat foto juara dunia tinju Chris John, pembulutangkis Taufik Hidayat, petenis Angelique Wijaya, serta mantan Ketua KONI Agum Gumelar. Dari dunia hiburan, Indra memotret sutradara Garin Nugroho dan promotor musik Adrie Subono. Menurut Indra, penggalian karakter itu tidak selamanya mudah. Untuk memotret Ibu Negara, misalnya, Indra harus beberapa kali berkeliling Istana Negara mencari tempat yang sesuai bagi karakter anggun First Lady. Hasilnya adalah sebuah ruang bernuansa emas yang kontras dengan kebaya hijau toskah yang dikenakan sang Ibu Negara.
Sementara untuk tokoh yang cukup gampang difoto, Indra menyebut nama monolog Butet Kartaredjasa yang sudah lama diincarnya untuk difoto.”Orangnya ekspresif,kita fotografer dapat merasa beruntung untuk dapat model seperti dia. Nggak usah disuruh ke sana ke sini, si Butet sudah cukup ekspresif, bergerak-gerak dan tinggal diklik,” kata Indra di sela pembukaan pameran,Jumat (23/3). Pameran ”Indonesian Portraits” adalah hasil karya Indra dalam rentang waktu 15 tahun. Pembukaan pameran itu sekaligus merupakan acara peluncuran buku fotografi berjudul sama yang menyajikan lebih dari 100 foto tokoh masyarakat mulai dari artis,penyanyi,maupun politisi. Proses pengumpulan hasil karya yang kemudian dibukukan Indra itu relatif lama karena dalam tiap foto Indra mencoba mengeluarkan karakter dari tokoh yang bersangkutan.
Untuk menghasilkan karya fotografi yang sungguh-sungguh mewakili pribadi seseorang, dibutuhkan ketekunan dan interaksi yang terus menerus. Lebih dari itu,keterbukaan diri terhadap orang lain menjadi hal yang penting. ”Saya selalu menyerahkan jiwa saya sebelum mencoba untuk menggali jiwa seseorang dihadirkan dalam fotografi yang saya buat. Sebab, fotografi memang suatu pendekatan yang personal. Dalam interaksi, saya selalu yakin untuk berbagi jiwa antara fotografer dan subjek fotografi,” tutur Indra. Interaksi yang intens, bertukar cerita, bersenda-gurau, berdiskusi dengan subjek fotografi, kata dia, selalu menjadi suatu hal yang dinikmati.
Keberhasilan Indra, kata M Firman Ichsan dan Oscar Motuloh dalam komentar kuratorial, terletak pada pendekatannya yang sangat personal. Untuk mendapat kedalaman pada subjek,Indra lebih mengutamakan pertimbangan psikologis ketimbang estetika. Sebelum memotret tokoh –tanpa pretensi dan ambisi sosial politik-- Indra berupaya menangkap karakter seorang tokoh, mendengar, dan melakukan pendekatan psikologis. Prosesnya, mula-mula mendengarkan subjek bicara, memerhatikan ekspresi mereka, danmerekamdalamingatan.Kemudian, mengingat-ingat momen ekspresi yang pernah dilihat. Setelah mendapatkan bayangan akan latar belakang, sudut pandang dan suasana yang patut bagi subjek, lantas coba ditambahkan unsur-unsur properti guna membangun situasi agar subjek tampil maksimal. ”Kemudian pada sesi pemotretan, mengajak subjek menghadirkan kesan yang pernah ditangkap, yakni lengkap dengan latar, dekorasi, koordinasi warna serta pencahayaan yang telah ditata untuk mencapai totalitas yang diinginkan,” tutur mereka. Keduanya menyebut, kerja serta karya Indra sebagai ”memindahkan tiga dimensi menjadi dua dimensi adalah perihal teknis. Namun, ada dimensi keempat yang berperan, yaitu
cerita di balik pembuatan foto (the story behind the picture)... dan fotografi akan menjadi teknis saja bila dikerjakan tanpa emosi.”(donatus nador/ant)
Bung Karno, Patron Seni Rupa Indonesia
Sumber gudeg net
Presiden pertama RI, bapak proklamator, founding father bangsa Indonesia, konseptor ulung, orator handal, dll merupakan beberapa julukan populer bagi Sukarno oleh berbagai kalangan. Oleh kalangan seniman Indonesia, Sukarno merupakan patron seni rupa nomor satu Indonesia. Disamping sebagai kolektor lukisan, Sukarno-lah yang mendorong hidup dan berkembangnya seni rupa Indonesia khususnya pada masa penjajahan Jepang. "Siapakah patron seni rupa Indonesia? Jawabannya adalah Bung Karno. Tak disangkal lagi Bung Karno adalah sosok yang sangat berjasa bagi berkembangnya seni rupa Indonesia," kata Oei Hong Djien di acara pembukaan Pagelaran Foto, Film Dokumenter & Benda Kenangan "Fatmawati Sukarno" di Jogja Gallery (14/04).Menurut Oei, meski keberadaan dan perkembangan seni fotografi khususnya di Yogyakarta belum se-populer seni rupa, namun tidak mustahil bahwa nanti seni fotografi juga akan mempunyai masa depan yang menarik dan dapat diterima oleh berbagai kalangan masyarakat.Pada pameran bertajuk Pagelaran Foto, Film Dokumenter & Benda Kenangan "Fatmawati Sukarno" ini, selain ditampilkan foto, film, dan benda peninggalan Fatmawati Sukarno, sosok Sukarno jgua banyak ditampilkan dalam berbagai kesempatan bersama sang Ibu Negara pertama dan kelima anaknya
Presiden pertama RI, bapak proklamator, founding father bangsa Indonesia, konseptor ulung, orator handal, dll merupakan beberapa julukan populer bagi Sukarno oleh berbagai kalangan. Oleh kalangan seniman Indonesia, Sukarno merupakan patron seni rupa nomor satu Indonesia. Disamping sebagai kolektor lukisan, Sukarno-lah yang mendorong hidup dan berkembangnya seni rupa Indonesia khususnya pada masa penjajahan Jepang. "Siapakah patron seni rupa Indonesia? Jawabannya adalah Bung Karno. Tak disangkal lagi Bung Karno adalah sosok yang sangat berjasa bagi berkembangnya seni rupa Indonesia," kata Oei Hong Djien di acara pembukaan Pagelaran Foto, Film Dokumenter & Benda Kenangan "Fatmawati Sukarno" di Jogja Gallery (14/04).Menurut Oei, meski keberadaan dan perkembangan seni fotografi khususnya di Yogyakarta belum se-populer seni rupa, namun tidak mustahil bahwa nanti seni fotografi juga akan mempunyai masa depan yang menarik dan dapat diterima oleh berbagai kalangan masyarakat.Pada pameran bertajuk Pagelaran Foto, Film Dokumenter & Benda Kenangan "Fatmawati Sukarno" ini, selain ditampilkan foto, film, dan benda peninggalan Fatmawati Sukarno, sosok Sukarno jgua banyak ditampilkan dalam berbagai kesempatan bersama sang Ibu Negara pertama dan kelima anaknya
Festival Film Sebagai Ruang Dialog
Sumber gudeg net
Dengan tujuan untuk menciptakan sebuah ruang dialog bagi keberagaman seksual melalui media seni, Q-Munity menyelenggarakan Q!FFest 2008 di Jogja sejak 20 - 26 april 2008. "Diharapkan event ini mampu menjadi ruang dialog tentang keberagaman seksual khususnya di Jogja melalui media seni," kata Direktur Festival Q!FFest 2008, Nino Susanto dalam jumpa pers Q!FFest 2008 di Kinoki (18/04). Selain pemutaran film mainstream, indie, lokal maupun mancanegara, festival ke-4 ini juga akan diisi dengan forum dan workshop tentang isu keberagaman seksualitas dan HIV/AIDS, pameran sastra dan seni komunitas Queer (komunitas q-munity,red), dan lomba karaoke. Festival film yang sebagian besar terdiri dari film dengan tema keberagaman seksual ini diselenggarakan di lima venue di Jogja yakni Kinoki, Moviebox Gejayan, Lembaga Indonesia Perancis (LIP), Universitas Sanata Dharma, dan V-Art and Gallery Yogyakarta. Penyelenggaraan festival yang akan memutar sekitar 58 film ini utamanya ditujukan untuk meningkatkan kesadaran berkenaan dengan isu-isu keberagaman seksual dan HIV/AID, meningkatkan potensi dan kontribusi komunitas "terpinggir" di Yogyakarta, serta mewadahi keberagaman seksual dan toleransi lewat gambaran kehidupan sehari-hari homoseksual lelaki dan wanita, para biseksual, para transgender, heteroseksual, dan ODHA. Q!FFest berdiri sejak tahun 2005. Pada penyelenggaraannya tahun kemarin ternyata mampu menarik minat banyak penonton dengan dihadiri sekitar 2200 penonton dalam satu minggu penyelenggaraannya. Diharapkan, festival yang tahun ini mengangkat tema "Youth Attack" akan mampu menarik minat penonton yang lebih besar dari penyelenggaraan sebelumnya
Dengan tujuan untuk menciptakan sebuah ruang dialog bagi keberagaman seksual melalui media seni, Q-Munity menyelenggarakan Q!FFest 2008 di Jogja sejak 20 - 26 april 2008. "Diharapkan event ini mampu menjadi ruang dialog tentang keberagaman seksual khususnya di Jogja melalui media seni," kata Direktur Festival Q!FFest 2008, Nino Susanto dalam jumpa pers Q!FFest 2008 di Kinoki (18/04). Selain pemutaran film mainstream, indie, lokal maupun mancanegara, festival ke-4 ini juga akan diisi dengan forum dan workshop tentang isu keberagaman seksualitas dan HIV/AIDS, pameran sastra dan seni komunitas Queer (komunitas q-munity,red), dan lomba karaoke. Festival film yang sebagian besar terdiri dari film dengan tema keberagaman seksual ini diselenggarakan di lima venue di Jogja yakni Kinoki, Moviebox Gejayan, Lembaga Indonesia Perancis (LIP), Universitas Sanata Dharma, dan V-Art and Gallery Yogyakarta. Penyelenggaraan festival yang akan memutar sekitar 58 film ini utamanya ditujukan untuk meningkatkan kesadaran berkenaan dengan isu-isu keberagaman seksual dan HIV/AID, meningkatkan potensi dan kontribusi komunitas "terpinggir" di Yogyakarta, serta mewadahi keberagaman seksual dan toleransi lewat gambaran kehidupan sehari-hari homoseksual lelaki dan wanita, para biseksual, para transgender, heteroseksual, dan ODHA. Q!FFest berdiri sejak tahun 2005. Pada penyelenggaraannya tahun kemarin ternyata mampu menarik minat banyak penonton dengan dihadiri sekitar 2200 penonton dalam satu minggu penyelenggaraannya. Diharapkan, festival yang tahun ini mengangkat tema "Youth Attack" akan mampu menarik minat penonton yang lebih besar dari penyelenggaraan sebelumnya
galleri afandi 3
Lukisan Affandi, Judul "Jembatan Bambu" (repro), Tahun 1980, Oil on Canvas, Ukuran 120 x 90 cm
sumber dari http://indonetwork.co.id/galerisenirupa
galleri afandi 2
Lukisan Affandi, Judul "Barong", (repro)Tahun 1983, Oil on Canvas, Ukuran 195 x 140 cm.
dari sumber http://indonetwork.co.id/galerisenirupa
galleri afandi 1
Lukisan Affandi, Judul "Bunga Matahari" (repro), Tahun 1978, Oil on Canvas, Ukuran 130 x 90 cm
Sumber dari http://indonetwork.co.id/galerisenirupa
Subscribe to:
Posts (Atom)